KUBISME: INITIATIEFNEMERS, KENMERKEN, STADIA, VERTEGENWOORDIGERS, WERKEN - KUNST - 2025

Het kubisme is een kunstvorm die in 1907 in Frankrijk werd geboren. Deze beweging werd gekenmerkt door het gebruik van nieuwe schildertechnieken die andere visies op de werkelijkheid lieten zien. Evenzo viel hij op door het gebruik van geometrische figuren, zoals de cirkel, de cilinder en de kubus. Het doel van deze nieuwe techniek was om de elementen die in traditionele kunst werden gebruikt te veranderen.

Kubistische schilders weigerden werken te maken waarin de figuren volledig gedefinieerd waren. Om deze reden zijn de schilderijen van de kubisten - soms - moeilijk te begrijpen. Een voorbeeld is het schilderij Girl with a Mandolin (1910) van Pablo Picasso, dat de structuur heeft van een puzzel die nog niet in elkaar is gezet.

Meisje met mandoline, door Picasso. Het schilderij ziet eruit als een puzzel. Via wikimedia Commons

Het interessante van dit werk is dat sommige delen van het lichaam van de vrouw in profiel zijn, terwijl de andere vooraan staan. Hoe het te begrijpen? Het idee is om elk stuk afzonderlijk te bekijken en ze vervolgens als een geheel te ordenen.

Er wordt beweerd dat de kubistische beweging gebaseerd was op een mentale oefening, aangezien schilders objecten niet afbeeldden zoals ze waren of zoals ze werden gezien, maar zoals ze werden voorgesteld. Daarom was het kubisme een manifestatie die de ontwikkeling van moderne ideeën waardeerde.

De term kubisme werd aan het begin van de 20e eeuw bedacht door Louis Vauxcelles om die schilderijen te noemen die hij als minderwaardig beschouwde, aangezien hij zei dat de kunstenaars die tot deze beweging behoorden alleen vervormde kubussen tekenden.

Deze artistieke manifestatie was echter essentieel voor de opkomst van futurisme, surrealisme en andere abstracte technieken.

Initiatiefnemers van het kubisme

Kubisme werd geboren met het doel dat schilders de natuur niet imiteerden bij het maken van hun werken. Voor het ontstaan ​​van deze artistieke beweging was de invloed van Afrikaanse beeldhouwkunst, technologische ontwikkeling en wetenschappelijk denken belangrijk.

Bijvoorbeeld: dankzij Afrikaanse beeldhouwkunst realiseerden schilders zich dat het concept van artistieke schoonheid kon worden aangepast: werken hoefden niet perfect te zijn om een ​​boodschap over te brengen.

Aan de andere kant zorgde de technologische ontwikkeling - vooral de uitvinding van de fotocamera - ervoor dat kunstenaars begrepen dat de wereld aan het veranderen was, aangezien foto's portretten vervangen.

Wetenschappelijk denken - met name wat Albert Einstein blootlegde - was van fundamenteel belang voor de auteurs om te begrijpen dat mensen kleuren, bewegingen en vormen op verschillende manieren waarnamen.

Op basis van deze aspecten besloten Pablo Picasso en George Braque enkele werken te ontwerpen die zich aanpassen aan de nieuwe realiteit.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Hij is een van de bekendste schilders ter wereld. Hij werd geboren in Malaga, een stad in Spanje. Hij verhuisde naar Madrid om te studeren aan de San Fernando Royal Academy of Fine Arts; maar in 1900 verhuisde hij naar Parijs, waar hij zijn studie voortzette.

Aanvankelijk waren zijn artistieke werken klassiek, maar in 1906 begon hij zijn schilderij De jonge dames van Avignon te produceren, dat volgens de critici het kubisme oprichtte. Dit schilderij werd tentoongesteld in 1907 en is samengesteld uit 5 naakte vrouwen: 4 staan ​​en 1 zit.

Blijkbaar hebben 3 dames misvormde gezichten; maar als ze in detail worden bekeken, zien ze dat ze Afrikaanse maskers dragen. Dit werk valt op door op het eerste gezicht plat te zijn; de hoekige lijnen geven het echter diepte.

De jonge dames van Avignon, door Pablo Picasso. Hun gezichten zijn geïnspireerd op Afrikaanse maskers. Via wikimedia Commons.

Piccaso's kubistische werken worden gekenmerkt door neutrale kleuren, zwart, grijs, wit en bruin vallen op; maar hij gebruikte ook donkerblauw en rood.

Zijn doel was om de wezens of elementen waarvan hij dacht dat ze op grote schaal werden gebruikt in de traditionele kunst op een andere manier weer te geven, dus richtte hij zich op het schilderen van vrouwen en stillevens.

Georges Braque (1882-1963)

Deze kunstenaar was een van de belangrijkste volgers van Pablo Picasso, hij sloot zich zelfs bij hem aan om kubistische schilderkunst te ontwikkelen. Hij werd geboren in Le Havre, een stad in Frankrijk. Zijn artistieke leven begon in het atelier van zijn vader, waar hij verband hield met primaire en samengestelde kleuren. In 1889 verhuisde hij naar Parijs om te studeren aan de Humbert Academy en de School of Fine Arts.

In tegenstelling tot Picasso worden de kubistische schilderijen van Braque gekenmerkt door zeer kleurrijk, aangezien hij geel, groen en donkerrood gebruikte. Zijn doel was om de werken diepte te geven door middel van kleur, dus contrasteerde hij heldere tinten met neutrale. Zijn creaties zijn moeilijk te interpreteren omdat de lijnen niet precies zijn of sommige boven elkaar liggen.

Het observeren van een schilderij van Braque is als het zien van een schoolbord waarop talloze papieren niet in volgorde zijn geplaatst. Voor deze schilder was het belangrijkste dat de kijker de kubistische werken organiseert door middel van verbeelding.

Schilderij door Georges Braque. Via wikimedia Commons.

Gedurende zijn carrière schilderde hij verwelkte landschappen, muziekinstrumenten en eenvoudige voorwerpen zoals pijpen, glazen, flessen en fruitschalen. Een ander fundamenteel aspect van zijn schilderijen was dat hij de letters opnam; dat wil zeggen, sommige stukken tonen een geschreven bericht.

Kenmerken van kubisme

Ze experimenteerden met vormen en objecten

Kubisten verkenden open vormen, doorboorden figuren en objecten, lieten de ruimte erdoorheen stromen, mengden de achtergrond op de voorgrond en toonden objecten vanuit verschillende hoeken.

Sommige historici hebben betoogd dat deze innovaties een reactie zijn op de veranderende ervaring van ruimte, beweging en tijd in de moderne wereld. Deze eerste fase van de beweging heette analytisch kubisme.

Het verlaten van perspectief en realisme

Kunstenaars verlieten het perspectief, dat sinds de Renaissance werd gebruikt om de ruimte weer te geven, en stapten ook af van het realistische modelleren van figuren.

De natuur vanuit de verbeelding

De kubisten probeerden de natuur te schilderen zoals ze die zich hadden voorgesteld en niet zoals ze die dagelijks zagen. Daarom wordt gewaardeerd dat elke kunstenaar het landschap anders weergeeft.

Iedereen dacht echter dat de wereld uit geometrische figuren bestond, daarom hebben ze cilinders, kubussen, cirkels en driehoeken gebruikt om hun tekeningen te maken.

Zoek naar meerdere gezichtspunten

Schilders wilden dat hun werken verschillende standpunten hadden. Daarom wordt opgemerkt dat de personages of objecten op sommige schilderijen zich in verschillende posities bevinden.

Ze konden bijvoorbeeld een man van achteren schilderen met zijn gezicht naar voren gericht, terwijl zijn mond en ogen in profiel waren. Om dat effect te creëren, maakten ze hun schilderijen alsof het een collage was.

Schilderij van Juan Gris die de collagetechniek gebruikt. Via wikimedia Commons

Inhoud is belangrijk

Ze hechtten meer belang aan de inhoud van het werk. Met andere woorden, voor kubistische kunstenaars was het niet belangrijk wat ze tekenden, maar wat het schilderij uitdroeg.

Alledaagse taferelen

Ze hielden zich niet bezig met het uitbeelden van de onderwerpen die belangrijk werden gevonden, zoals religieus en politiek, maar met het schilderen van alledaagse taferelen zoals een gitaar of een vaas met bloemen. Het doel was om kijkers emotioneel te verbinden met de beelden die ze zagen.

Kubistische technieken

Licht effect

De kubisten namen niet de moeite om de chiaroscuro-techniek te gebruiken, die veel werd gebruikt door renaissanceauteurs om een ​​element of karakter in hun werken te benadrukken. Wat de kubistische schilders wel gebruikten, was het lichteffect dat ze creëerden toen ze zich aansloten bij de kleuren bruin en geel.

Weinig kleurrijk beeldje en achtergrond

In kubistische schilderijen werd aanvankelijk de derde dimensie geëlimineerd. Met andere woorden, de kunstenaars concentreerden zich niet op het creëren van diepte, dus waren de schilderijen vroeger één vlak; Kortom, alleen de figuur en een niet erg kleurrijke achtergrond waren vertegenwoordigd.

Na verloop van tijd begonnen de auteurs echter gebogen lijnen en samengestelde kleuren te gebruiken (dat wil zeggen die welke zijn gevormd uit primaire kleuren), waardoor de schilderijen een bepaalde dikte kregen.

Stadia van kubisme

Het doel van het kubisme was om te breken met de artistieke werken die eerder waren gemaakt, vooral die van de auteurs van de neoklassieke beweging, wiens schilderijen opvielen als een kopie van de natuur en haar schoonheid.

Dit is hoe Pablo Picasso, vastbesloten om geen artistieke manifestatie te volgen die realistisch was, niet alleen gericht was op het bestuderen van Afrikaanse kunst en technologische vooruitgang, maar ook in detail de schilderijen van de Franse schilder Paul Cézanne onderzocht, die werden gekenmerkt door een slechte definitie. .

Cézanne maakte geen gebruik van de driedimensionale techniek en de figuren die opvielen in zijn werken waren de bollen. Beïnvloed door deze ideeën over representatie, ontwikkelde Picasso het kubisme, dat uit drie fasen bestond:

Vroeg kubisme (1907-1909)

Veel auteurs zeggen dat deze primitieve periode niet kan worden opgenomen in de stadia van het kubisme, omdat het slechts een moment van experimenteren was. Het was echter tijdens deze fase dat schilders de kenmerken begonnen te definiëren die hun schilderijen zouden identificeren, waaronder de volgende:

- Er werd besloten om alleen zwarte en witte kleuren te gebruiken. Als je andere tinten wilde gebruiken, waren grijstinten en bruin geldig.

- Het was beter om objecten en mensen te schilderen in plaats van landschappen.

- Het was niet nodig dat de schilderijen dikte of diepte hadden.

Analytisch kubisme (1910-1912)

Ook wel hermetisch kubisme genoemd, omdat het erg moeilijk was om de afbeelding en de volgorde van het schilderij te begrijpen.

Deze fase was belangrijk omdat de kunstenaars zich concentreerden op het analyseren van de gebeurtenissen in het dagelijks leven om ze opnieuw te creëren; dat wil zeggen, ze observeerden een specifieke scène, stelden zich die op een gefragmenteerde manier voor en schilderden die dus.

Daarom lijken de plaatjes die tijdens Analytisch Kubisme zijn gemaakt op puzzels. De aspecten die in deze periode opvielen, worden hieronder genoemd:

- De kunstenaars wilden niet dat hun schilderijen een unieke betekenis zouden hebben.

- Het gebruik van gebogen lijnen kwam steeds vaker voor, een element dat een zekere diepte aan het werk gaf.

- De gele, groene en blauwe tinten begonnen te worden gebruikt om ze te contrasteren met de neutrale kleuren.

- Landschappen werden in de schilderijen opgenomen.

Synthetisch kubisme (1913-1914)

Deze fase werd ook wel reïntegratiekubisme genoemd, omdat de kunstenaars al meer thematische vrijheid hadden bij het schilderen. De belangrijkste auteur van deze manifestatie was George Braque, die de collage- of patch-techniek heeft uitgevonden.

Om de schilderijen textuur te geven en de waarde van de decoratie te verhogen, knipte Braque stukjes papier uit en schilderde ze op het werk. Die gebeurtenis zorgde ervoor dat de kubistische portretten een grotere impact hadden op kijkers.

Vanaf dat moment gebruikten kunstenaars niet alleen olie- en acrylverf om hun schilderijen te maken, maar ook materialen als stof, zand en glas.

Vertegenwoordigers en hun werken

Kubisme was een manifestatie die een paar jaar duurde; Zijn invloed was echter fundamenteel voor de geboorte van nieuwe artistieke uitingen. Om deze reden wordt beweerd dat de beweging die door Picasso en Braque is begonnen, niet alleen de kunstgeschiedenis heeft veranderd, maar ook heeft aangetoond dat er verschillende schildertechnieken zijn.

Maar Braque en Picasso waren niet de enige vertegenwoordigers van het kubisme, ook Juan Gris en Fernand Léger benadrukten:

- José Victoriano González Pérez (1887-1927)

Beter bekend als Juan Gris, hij was een schilder geboren in Madrid. Van 1904 tot 1906 studeerde hij aan de School of Arts and Manufacturing en volgde cursussen aan het atelier van José Moreno Carbonero.

Hij verhuisde in 1906 naar Parijs, op de vlucht voor het leger en de Spaanse regering. In die stad kreeg hij onderdak in hetzelfde gebouw waar Picasso en Braque woonden.

In 1910 maakte hij zijn eerste kubistische schilderijen, die niet goed werden ontvangen omdat ze diepte hadden. Vanaf 1911 bleken zijn werken kleurrijk en plat te zijn. Dankzij deze schilder werd het karikatuureffect in de schilderijen verwerkt, ook liet hij de portretten breder en langer lijken.

Een voorbeeld is zijn werk Harlequin met gitaar (1919), waar de langwerpige gestalte van een man te zien is met zijn lichaam naar voren gericht, maar naar links kijkend. Het schilderij is opgebouwd uit rechthoeken, driehoeken en enkele golvende lijnen die het gevoel van beweging geven: alsof het personage het muziekinstrument bespeelt.

Verven

Juan Gris legde zich niet alleen toe op het verbeteren van de stijl van kubistische schilderijen, hij creëerde ook zijn eigen collagetechniek waarbij hij met karton bij de krant kwam. Tot zijn belangrijkste schilderijen behoren:

- Portret van Pablo Picasso (1912).

- Viool en schaakbord (1913).

- Stilleven met sluiter (1914).

- Amadeo Modigliani (1915).

Stilleven met sluiter (1914) van Juan Gris. Via wikimedia Commons.

- Fernand Léger (1881-1955)

Hij werd geboren in Argente, een provincie in Frankrijk. In 1900 verhuisde hij naar Parijs waar hij bouwkundig assistent was en studeerde aan de Académie Julián. Hij bewonderde Paul Cézanne en vanaf 1907 concentreerde hij zich op het bestuderen van zijn werken.

Zijn eerste kubistische afbeeldingen werden in 1908 geschilderd; hoewel het noodzakelijk is te vermelden dat zijn stijl niet zo ontwikkeld was als die van Juan Gris. Toch viel hij op door de manier waarop hij de primaire kleuren gebruikte, die hij gebruikte om de schaduwen van de cilindrische figuren te benadrukken en textuur aan zijn schilderijen te geven.

Een ander belangrijk kenmerk van Léger's werken was dat hij geen mensen portretteerde, maar robots en machines tekende die de mensheid consumeerden. Dit is hoe het te zien is in zijn schilderij Nudes in the forest (1909), waar een tank gevuld met metalen voorwerpen te zien is; de geometrische figuren die opvallen in het werk zijn de kegel en de cilinder.

In dit schilderij is er niet eens een lege ruimte; het is alsof de schilder had bedoeld dat de mens werd vervangen door technologie.

Verven

Het doel van Fernand Léger was om het begin van een nieuwe wereld te schilderen, en daarom gebruikte hij brons- en grijstinten, zoals dat de kleuren van machines waren. Enkele van zijn belangrijkste werken zijn:

- De spoorwegovergang (1919).

- Vrouw met kat (1921).

- Drie vrouwen (1921).

- De Mona Lisa met de sleutels (1930).

Vitral van Fernand Léger, momenteel gevestigd aan de Centrale Universiteit van Venezuela. Via wikimedia Commons.

- Louis Marcoussis (1878-1941)

Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, die zijn echte naam was, werd geboren in Polen, maar verhuisde al snel naar Parijs. Na zijn rechtenstudie toonde hij interesse in schilderen door naar de Julian Academy te gaan. In 1905 exposeerde hij voor het eerst, wat het begin was van een opmerkelijke carrière.

Hij had het geluk om artiesten als Braque, Degas of Pablo Picasso te ontmoeten, wat hem ertoe bracht te experimenteren met kubisme. Gedurende deze tijd presenteerde hij in verschillende tentoonstellingen stillevens, landschappen van de Bretonse kust of uitzichten op Parijs.

Naast het kubisme ontwikkelde hij tot aan zijn dood in 1941 ook graveer-, illustratie- of impressionistische technieken.

Verven

- Le bar du port (1913).

- Viool, bouteilles de Marc et cartes (1919).

- Figures on a Beach (1930).

- The Musician (1914).

De muzikant (1914). Louis Marcoussis / Openbaar domein

- Albert Gleizes (1881-1953)

Van jongs af aan was hij Parijse, een boheemse jongen die zijn middagen liever poëzie schreef op de begraafplaats in plaats van te spelen of naar school te gaan. Na een periode in het leger begon hij als schildersleerling in het atelier van zijn vader, waar landschappen zijn eerste werken waren.

Hoewel zijn aanvankelijke stijl impressionistisch was, raakte hij, toen hij kennis maakte met de kunstenaars van de wijk Montparnasse, geïnteresseerd in het kubisme, een beweging waarmee hij tijdens zijn artistieke leven het nauwst verbonden was.

Hij sloot zich aan bij de Puteaux Group en was altijd nauw verbonden met andere genieën zoals Marcel Duchamp, Jean Metzinger of Jacques Villon.

Verven

- Kubistisch landschap (1914).

- Portret van Jacques Nayral (1911).

- Figuur Cubiste (1921).

- Naakt zittend (1909).

- Diego Rivera (1886-1957)

Hoewel deze prominente Mexicaanse schilder vooral bekend stond om zijn muurschilderingen, kende hij ook een schitterende kubistische periode. De reden was dat deze beweging, die in de jaren 1910 in Parijs was gevestigd, hem op zijn sterkst ving.

Hoewel Rivera's kubistische werken talrijk zijn, geloven geleerden dat hij niet bijzonder trots op ze was en probeerde ze ze geheim te houden. Later bleef hij experimenteren met andere avant-garde technieken, zoals het postimpressionisme.

Verven

- Portret van Ramón Gómez de la Serna (1915).

- De vrouw bij de put (1913).

- Portret van twee vrouwen (1914).

- Moederschap, Angelina en het kind Diego (1916).

Referenties

1. Armistead, D. (2002). Wat is kubisme? Opgehaald op 19 februari 2020 van de Universiteit van Toronto: utoronto.ca
2. Bélanger, G. (2010). Kubisme schilderijen en materialen. Opgehaald op 19 februari 2020 van Faculteit der Letteren: adelaide.edu.ua
3. García, M. (2012). Studie over de kubistische schilders. Opgehaald op 19 februari 2020 van het Institute of Image and Space Arts: iartes.gob.ve
4. Morales, I. (2006). Het kubisme. Opgehaald op 19 februari 2020 vanuit de Nationale Bibliotheek van Peru: bnp.gob.pe
5. Pereira, A. (2008). Kubisme en moderniteit. Opgehaald op 19 februari 2020 van het Design Institute: disegno.com
6. Prevosti, A. (2017). Abstracte kunst en figuratieve kunst. Opgehaald op 19 februari 2020 van Biblioteca Salvat: iberilibro.com
7. Rojas, E. (2015). Ontwikkeling van kubistische kunst. Opgehaald op 19 februari 2020 van de School of Graphic Arts: elthaller.com
8. Scott, I. (2014). Kubisme stadia. Opgehaald op 19 februari 2020 van de Universiteit van New York: nyu.edu