OSWALDO GUAYASAMÍN: BIOGRAFIE EN WERKEN - KUNST - 2025

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) is een van de belangrijkste kunstenaars in Latijns-Amerika, wiens werk is tentoongesteld in de meest prominente kamers ter wereld. Zijn kunst heeft een diep inheems gevoel met een ideologische en picturale houding die kenmerkend is voor het Amerikaanse continent: sociaal realisme.

Guayasamín, geboren in Quito en opgeleid onder de traditionele canons van kunst, brak met die plannen om de realiteit vast te leggen van de inheemse volkeren van Latijns-Amerika die onderdrukking leden, evenals de aanvallen van de kolonie en rassenvermenging.

Bron: modernsilver.com

In een expressionistische stijl werden de creaties van deze Ecuadoriaanse kunstenaar gekoesterd door Mexicaanse muralisten in termen van expressiviteit, het gebruik van kleur en de kracht die ze overbrengen, om de toeschouwer het gevoel te geven van de vitale energie van de auteur en, op deze manier, maak uw protest kenbaar.

Naast die inheemse essentie kenmerkt zijn werk zich ook door het toe-eigenen van avant-gardistische trends zoals kubisme en expressionisme, zonder het realisme te verliezen van het tonen van een realiteit van het geweld dat hij aan de kaak stelde.

Hij maakte indrukwekkende tentoonstellingen - meer dan 200 individuele - in de belangrijkste musea ter wereld, zoals in Frankrijk, Spanje, de voormalige Sovjet-Unie, Tsjecho-Slowakije, Polen, Mexico, Chili en Argentinië.

Guayasamín staat ook bekend om het sluiten van vrienden met figuren van wereldklasse, zoals de dichter Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, koning Juan Carlos van Spanje, Gabriel García Márquez en Carolina de Mónaco, onder anderen die hij portretteerde.

In 1991 erkende de regering van Ecuador het productieve werk van de kunstenaar en zijn bijdrage aan de wereldkunst, en daarom besloot ze de Guayasamín Foundation op te richten, waaraan de schilder al zijn creaties en kunstcollecties schonk.

Biografie

Oswaldo Guayasamín werd op 6 juli 1919 geboren in Quito en was de oudste broer in een gezin van tien. Zijn vader, José Miguel Guayasamín, was een inheems persoon van de Quechua-stam; terwijl haar moeder, die Dolores Calero heette, mestizo was.

Van jongs af aan toonde hij zijn liefde voor schilderen door karikaturen te maken van zijn klasgenoten en door posters te maken voor de winkel die zijn moeder runde. Daarnaast schilderde hij schilderijen op stukjes karton die hij aan toeristen verkocht om hun studie te betalen.

Ondanks de felle tegenstand van zijn vader, schreef de jonge Guayasamín zich in aan de School voor Schone Kunsten van Ecuador, waar hij in 1941 afstudeerde als schilder en beeldhouwer, en ook de erkenning kreeg als de beste leerling van zijn klas.

Slechts een jaar na zijn afstuderen slaagde hij erin zijn eerste tentoonstelling te houden in de hoofdstad van Ecuador. Deze tentoonstelling kenmerkte zich door het karakter van sociale aanklacht, dat grote opschudding veroorzaakte bij het publiek en de critici van die tijd.

Met die specifieke stijl wist de jonge Guayasamín Nelson Rockefeller te boeien, die hem verschillende schilderijen kocht en hem steunde in zijn toekomst.

Internationalisering

Na die controversiële tentoonstelling verhuisde Guayasamín met steun van Rockefeller naar de Verenigde Staten, waar hij ook zijn schilderijen exposeerde. Tijdens de 7 maanden van zijn verblijf bezocht hij alle musea die hij kon om direct in contact te komen met het werk van El Greco, Goya, Velásquez en dat van de Mexicaanse muralisten Diego Rivera en Orozco.

Met het geld dat hij wist te verdienen, reisde hij naar Mexico om een ​​geweldige leraar te ontmoeten, de muralist Orozco, die, onder invloed van zijn talent, hem toestond zijn assistent te zijn. Tijdens dit bezoek ontmoette hij ook Diego Rivera en van hen leerde hij de techniek van het buiten schilderen. In Mexico raakte hij bevriend met Pablo Neruda.

In 1945 maakte hij een gedenkwaardige reis: van Mexico naar Patagonië. Tijdens deze reis reisde hij door elke stad en stad om aantekeningen en tekeningen te maken van wat zijn eerste serie van 103 schilderijen was genaamd Huacayñan, wat in Quechua 'De manier van huilen' betekent, waarvan het thema gaat over de zwarte, de indiaan en de mestizo. .

Zo begon al zijn werk te draaien rond het inheemse thema, over de onderdrukking en het geweld waarvan de inheemse volkeren het slachtoffer waren.

Het monumentale werk El camino del llonto werd uitgevoerd dankzij de steun die het Casa de la Cultura Guayasamín gaf.

Deze serie werd voor het eerst tentoongesteld in Quito in 1952 in het Museo de Arte Colonial, en in hetzelfde jaar in Washington en Barcelona (Spanje), tijdens de III Bienal Hispanoamérica de Arte. Bij dit laatste evenement ontving hij de Grote Prijs voor Schilderkunst.

Aanwezigheid in grote gebouwen

Naast monumentale tentoonstellingen in de belangrijkste musea van de wereld, is het werk van Guayasamín ook aanwezig in grote constructies.

Zo bevindt zich sinds 1954 een Venetiaanse glasmozaïekmuurschildering in het Centro Simón Bolívar in Caracas, dat Tribute to the American Man wordt genoemd.

Voor zijn geboorteland maakte hij in 1958 twee indrukwekkende muurschilderingen. De eerste is De ontdekking van de Amazone-rivier, ook gemaakt in Venetiaans mozaïek, dat zich in het regeringspaleis van Quito bevindt. De andere is gemaakt voor de rechtenfaculteit van de Centrale Universiteit van Ecuador, die Geschiedenis van Mens en Cultuur wordt genoemd.

In 1982 werd een muurschildering van meer dan 120 meter, die Guayasamín beschilderde met marmerstof en acrylverf, ingehuldigd op de luchthaven Barajas in Madrid. Dit monumentale werk bestaat uit twee delen: het ene is gewijd aan Spanje en het andere aan Amerika.

Zijn werk is ook aanwezig op het hoofdkantoor van Unesco in Parijs en Sao Paulo. De monumenten sieren ook Ecuador: een jong vaderland is in Guayaquil en een verzet in Quito.

Belangrijkste erkenningen en overlijden

Dankzij zijn productieve werk, zijn karakter van sociale aanklacht en zijn universele belang, ontving Guayasamín talloze onderscheidingen en erkenningen voor zijn carrière.

Zijn werk wordt over de hele wereld erkend doordat hij in 1957 de prijs voor beste schilder van Zuid-Amerika ontving, die hem werd toegekend door de Biënnale van Sao Paulo, Brazilië. Dit markeerde de consolidatie van zijn internationalisering.

In 1976 richtte hij samen met zijn kinderen de Guayasamín Foundation op om zijn artistieke erfgoed aan Ecuador te schenken. Via deze stichting heeft hij drie musea kunnen organiseren: Pre-Columbiaanse Kunst, Colonia Art en Hedendaagse Kunst.

Hij werd benoemd tot lid van de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten van San Fernando in Spanje en erelid van de Academie voor Schone Kunsten in Italië. Hij werd ook benoemd tot vice-president en later president van het Quito House of Culture in 1973.

Bovendien was hij de eerste Latijns-Amerikaanse kunstenaar die een onderscheiding ontving van de Franse regering; Dit gebeurde in 1974.

Hij stierf op 10 maart 1999 zonder zijn grootste werk, La capilla del hombre, af te maken, dat door de kunstenaar werd bedacht als een eerbetoon aan de mensheid, in het bijzonder het Latijns-Amerikaanse volk. Het is een kunstmuseum gebouwd in Quito dat tot doel heeft Latijns-Amerikaanse kunst van Mexico tot Patagonië samen te brengen.

De kapel van de mens, Quito. Bernard Gagnon, van Wikimedia Commons De eerste fase van de architectonische monumentale ruimte werd ingehuldigd in 2002. Unesco noemde het een "prioriteit voor cultuur", waarvoor het talrijke bijdragen ontving van andere staten en andere vooraanstaande kunstenaars in de wereld.

Toneelstukken

De productie van Guayasamín wordt vanaf het begin gekenmerkt door zijn diepe inheemse geest en is geladen met een hoog gehalte aan sociale aanklacht. Op deze manier kon hij de grenzen van de traditionele kanunniken overschrijden en een van de meest fervente verdedigers van de inheemse volkeren van Latijns-Amerika worden.

Om zijn persoonlijke stijl te ontwikkelen, dronk hij van de invloed van de Mexicaanse muralisten, met name zijn leraar Orozco. Hij was ook een vurig exponent van het expressionisme, dat zijn hele schepping een humanistisch tintje gaf door de pijn en het lijden te weerspiegelen dat een groot deel van de mensheid leed.

Op deze manier maakt het werk van Guayasamín deel uit van die expressionistische stroming waarin de expressieve realiteit er meer toe doet zonder de externe realiteit aan te pakken, maar eerder met de emoties die het bij de toeschouwer oproept.

Om deze reden bevestigde deze schilder dat “mijn schilderij is om mensen pijn te doen, te krabben en te raken. Om te laten zien wat de mens tegen de mens doet ”. Dit komt vooral tot uiting in hun misvormde en droevige gezichten die de pijn van hun mensen sterk overbrengen.

In die zin is zijn werk gericht op de menselijke figuur, met levendige kleuren en sociale thema's.

Ondanks het feit dat hij zijn werk aanpaste aan de ervaringen en technieken die het contact met grote kunstenaars uit die tijd hem naliet, behield hij altijd de uitdrukking van menselijk sentiment op zijn doek. In al zijn creaties kunnen drie tijdperken worden onderscheiden, de volgende:

De manier van huilen

De Guayasamín Foundation is erin geslaagd enkele van de eerste creaties van de kunstenaar te verzamelen, die op 7-jarige leeftijd begon met schilderen en tekenen. Toen hij op 12-jarige leeftijd naar de School of Fine Arts ging, betoverde hij leraren en klasgenoten met zijn virtuositeit. Al op die leeftijd begon hij te werken aan sociale kwesties die later zijn hele carrière kenmerkten.

Wat wordt beschouwd als de eerste fase, is wat de eerste serie wordt genoemd: The path of crying.

Deze etappe speelt zich af tussen 1945 en 1952 en concentreert zich voornamelijk op de reis die hij met zijn vrienden door Zuid-Amerika maakte, waarbij hij stopte om elke stad te bezoeken om hun realiteit te begrijpen.

Dankzij de aantekeningen en tekeningen die hij tijdens de reis maakte, schonk hij aan de wereld Huacayñan, of El camino del llonto, zijn eerste serie van 103 schilderijen waarin hij het probleem van indianen, zwarten en mestiezen vastlegt door middel van universele archetypen die in decors voorkomen. met voorouderlijke symbolen, zoals de maan, de zon en de bergen.

Met al zijn universele symbolische lading was deze serie degene die het een plaats gaf in de wereldkunst.

De leeftijd van woede

In deze fase die hij in de jaren 60 ontwikkelde, toonde Guayasamín aan dat niet de esthetische inhoud belangrijk is in zijn werk, maar de sociale inhoud, de boodschap van een man tegen onderdrukking, geweld en lijden.

De oorsprong van deze klacht gaat terug tot de tijd dat in zijn jeugd een jeugdvriend werd vermoord door de repressie in Quito. Van daaruit ondernam de kunstenaar de kruistocht om het geweld van de mens tegen de mens uit te beelden om een ​​boodschap van rebellie achter te laten en te vechten tegen vervreemding.

Deze rebellie manifesteert zich in de ogen van zijn figuren, die om verandering schreeuwen. Hun figuren hebben een pijnlijke grimas ondanks de sereniteit die ze tonen, hun handen schreeuwen om hoop. Dit alles wordt weerspiegeld met enorme verticale bewegingen om de pijn verder te markeren.

Met dit werk schudde Guayasamín de wereld door alle wreedheid van de mens in de 20e eeuw bloot te leggen. Om deze reden slaagde hij erin om te exposeren in de belangrijkste westerse steden van de wereld, wat zowel bij de critici als in de gemeenschap opschudding veroorzaakte.

Van tederheid

Deze cyclus begon in de jaren tachtig als eerbetoon aan zijn moeder, een transcendentale figuur in zijn leven aan wie hij zijn liefde en dankbaarheid uitsprak voor zijn altijd steun.

Deze serie markeert een verandering in het werk van de kunstenaar zonder dat dit betekent dat de figuren, nu serener dan voorheen, hun boodschap van aanklacht en kritiek in enige mate verliezen.

The Age of Tenderness, of While I Live I Always Remember You, bestaat uit 100 werken waarvan het middelpunt een eerbetoon aan zijn moeder is; in feite verwijst het in het algemeen naar de moederfiguur inclusief Moeder Aarde.

Deze set wordt ook beschouwd als een hymne aan de mensenrechten. Het is het laatste werk dat hem bezighield, van 1988 tot 1999.

Vanwege zijn eigenaardige esthetische stijl, maar vooral vanwege zijn thema gericht op het achterlaten van een boodschap van rebellie en het aan de kaak stellen van de mensheid, slaagde Guayasamín er met zijn kunst in om de grenzen van zijn geboorteland Ecuador over te steken en een ereplaats in te nemen in de universele kunsten.

Dit was zo te danken aan het feit dat zijn creatie een bijzondere uitdrukking heeft van de tijd die hij moest leven, om een ​​boodschap over te brengen die het geweten van de mensheid wakker maakte en erin slaagde om de kreet van rebellie op te wekken.

Referenties

1. «Biografie» in Capilla del Hombre. Opgehaald op 10 januari 2019 vanuit Capilla del Hombre: capilladelhombre.com
2. Buitrón, G. «Oswaldo Guayasamín» (augustus 2008) in «Essays over het beeld» van de Universiteit van Palermo. Opgehaald op 10 januari 2019 van de Universiteit van Palermo: palermo.edu
3. "Oswaldo Guayasamín, schilder van tranen, woede en tederheid" in Muy historia. Opgehaald op 10 januari 2019 in Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" in Biografieën en levens. Opgehaald op 10 januari 2019 in Biographies and Lives: biografiasyvidas.com
5. "Oswaldo Guayasamín" in Encyclopedia Britannica Opgehaald op 10 januari 2019 in Encyclopedia Britannica: britannica.com
6. "Oswaldo Guayasamín" in Geschiedenis-biografie. Opgehaald op 10 januari 2019 in Historia-biografie: historia-biografia.com
7. Sciorra, J. «José Sabogal en de identiteit van het tijdschrift Amauta» (november 2013) in de Institutional Repository van het UNLP. Opgehaald op 10 januari 2019 vanuit de UNLP Institutional Repository: sedici.unlp.edu.ar